Frankestein de James Whale.

Frankestein de James Whale.

1931. Ciencia ficción, terror, clasico. P: 10/10.

Director: James Whale.

Interpretes: Colin Clive, Mae Clarke, John Boles, Dwight Frye (Frtitz, el jorobado), Boris Karloff (el monstruo), Van Sloan.

Maquillaje: Jack Pierce.

Música: Bernhard Kaun & Giuseppe Bacce.

Fotografía: Arthur Edeson (B&W)

Sinopsis: El doctor Henry Frankestein quiere destruir la vida y después volver a crearla, así a base de cuerpos muertos construye un ser al que le insufla vida; pero, el cerebro que le pone es el de un asesino; solo ayudado por su jorobado ayudante Fritz desatara un monstruo al que el pueblo dará caza y muerte.

Comentario: ¡Que decir de esta película! Es Frankestein, es Karloff, es Whale, es la Universal, es la mayor película mítica de toda la vida, es la niña Maria y sus flores en el río, es el molino en llamas con el pobre monstruo dentro, es el jorobado jorobando al monstruo, es la novia con la premonición de algo grave, es la tormenta desatando toda la energía primigenia de la naturaleza…

Es el clásico del terror por excelencia, basado en la novela de Mary Shelley, subtitulada: El moderno Prometeo….y una obra maestra por si misma.

Muy cercana al expresionismo alemán del que toma ángulos, proyección de sombras, giros, encuadres laterales, ambientes opresivos y oscuros,  y, al tiempo, una película muy lírica, hermosa en imágenes y sugerencias acrecentado por la atmósfera  y unas notables interpretaciones sobresaliendo la de "Karloff" como el patético y pobre monstruo, con un maquillaje de siempre genial Jack Pierce. A destacar Dwight Frye que compone un jorobado, ayudante del doctor, sádico e inhumano con el monstruo que ya antes había trabajado como Rendfield de Dracula

Con un inicio en el que, irónicamente, Van Sloan (El Van Helsing de Drácula), nos advierten de lo que vamos a ver, de la vida y de la muerte; la película se lee casi como una tragedia griega, la creación, el castigo, el abandono del padre, el matar la inocencia…la muerte como final de todos los caminos.

Atención a esa escena del incendio del molino, crucial y bellísima.

No pasa el tiempo por ella es más, su calidad se acrecienta año tras año, visión tras visión. ¡La adoro!

Adoro a Karloff...

Adoro a Shelley...
Adoro a Whale...
Adoro a Pierce....

SUPER 8 de J. J. Abrams.

SUPER 8 de J. J. Abrams.

2011. Ciencia ficción. P: 8/10.

Director: J. J. Abrams.

Música: Michael Giacchino.

Fotografía: Larry Fong.

Interpretes: Joel Courtney, Riley Griffiths, Elle Fanning, Ryan Lee, Gabriel Basso, Zach Mills, Kyle Chandler, Ron Eldard, Noah Emmerich, David Gallagher, Glynn Turman, Amanda Michalka.

Sinopsis: Cinco chicos están rodando una película en súper 8 sobre zombis; ellos son todo el equipo y actores, hacen sus maquillajes, sus efectos especiales, sus explosivos, su guion, etc.…esa noche han ido a la estación del ferrocarril y durante la filmación se encuentran con que un coche embiste de frente  a un largo tren de mercancías y este descarrila provocando un accidente brutal del que se salvan por milagro. Ven como llega el ejército y escapan con la promesa de no contar nada a nadie pero algo se ha escapado de ese tren…

Comentarios: Una pequeña maravilla, no perfecta, eso es verdad,  pero que ha resucitado esos clásicos de siempre, con una forma más de sentir y asombrarse que de ver cine.

De entrada un casting, sobre todo en el equipo de chicos, realmente admirable; nos roban el corazón y deseamos ser nosotros, con unos años de menos y algún kilo también de menos (y mas pelo que no nos olvidemos), los que estemos frente a tamaña aventura.

Una mezcla bien aprovechada de “Los Goonies” (tengo que volver a verla), la inolvidable y mil veces vista “ET” (la niña entonces, una Drew sensacional y aquí una Elle que impresiona por su calidad y calidez), toques de “Encuentros en la tercera fase” (solo que en la fase negra de la incomprensión humana), “La guerra de los mundos”, “Gremlins” y, como no podía faltar en todo esto, “Exploradores”….

Resulta curioso cómo va introduciéndonos en una aventura convencional los temas fantásticos; así nos mete ese descarrilamiento, nos sugieren que algo se escapa de ese vagón…como los cortes de electricidad, los perros huyendo, el sheriff que desaparece, lo soldados por todos lados, esos ruidos en el cementerio…la tensión va en un  “aumento” continuo hasta el final…

Lástima que le faltase un peldaño más en tensión y emoción, hay detalles que se van metiendo en nuestra mollera y nos hace que no lleguemos a la obrita maestrita que pudo haber sido y no es. Detalles como ese tren descarrilando y todo el estropicio posterior sin que  a los chicos les pasase algo es perdonable peor ese coche inmaculado en medio de toso resulta grotesco y no fácil de comprender; que los soldados no puedan con el “bicho” cuando llevan decenas de años estudiándolo es cuanto menos para crear algunas sombras de duda en nuestras células grises; ese vejete en el coche y que sobreviva a todo y que aparezca, más tarde como prisionero de los soldados… y un largo de pequeños etcéteras…

Pero emociona, entretiene, es divertida, vibrante por momentos, lucida en casi todo su metraje, de esos films con corazón más que intelecto y se agradece. Es como un resumen de mucho cine del bueno, con personajes sobre todo, convidas humanas que se plasman para contarnos una bella  historia y unos hermosos sentimientos. Y la familia siempre presente, no importa los problemas que tengamos, la familia es, a la postre, lo esencial, con la familia la amistad que pervive a las pequeñas desavenencias rencores, trabajando en equipo en pro de un proyecto común.

Muy buena en todos los aspectos tanto técnicos como artísticos. Sobre todo sensacional banda sonora, una pasada que nos acompaña durante casi dos horas de metraje, música fresca y tierna, una pasada. Una fotografía muy buena en unas escenas que por momentos son magnéticas. Unos efectos especiales, con esos nanos robots, que lo hacen de forma sensacional, a la antigua usanza. Buen montaje.

Como es normal con la  aparición física del monstruo pues la película tiende a venirse abajo, normal, lo meten demasiado pronto.

Por otro, no sé, me quedo ese equipo que se va deshaciéndose hasta el final; el chico que se queda en el campamento; el otro herido y su acompañante, etc.…me hubiera gustado un enfrentarse todo a una con la situación final y una resolución de todos y para todos. Los padres están de espectadores anónimos, menos mal que, al final, hacen lo que deben, abrazar a sus vástagos.

Para disfrutar como un chico de quince años o menos. Yo me lo pase de rechupete, disfrute viéndola como pocas veces, me faltaron esos paquetón de palomitas y el vaso de papel con la coca cola de rigor.

Y, por cierto, la peli de zombis una pasada, de diez y matrícula de honor, homenaje al cine negro incluido.

 

Mi “Hombre lobo”.

Mi “Hombre lobo”.

Mi hombre lobo es de cine. Un personaje casi secundario en muchas películas o que se quedaron un tanto encasillados en las viejas películas de la Universal con el estupendo trabajo de maquillaje de Jack Pierce y esas transformaciones de un hombre (Lon Chayney Jr) en las que se tomaban escena tras escena, es decir, el actor quieto se le filmaba, se le añadía mas maquillaje y se le volvía a filmar y así varias veces hasta acabar la transformación deseada por el director. En los primeros tiempos pues la cámara se movía, los cambios eran muy bruscos, etc.…pero en “El hombre lobo” de 1941 de John Waggner la transformación ya era prodigiosa, sucesivas películas trataran de ir mejorando esa transformación ante las cámaras de un hombre a un lobo. Es en este film que ya se sientan las características definitivas de este personaje clásico (infección por mordedura, la transformación en días de luna llena, la muerte por plata en balas o bastón o espada, siempre de plata, el descanso como hombre después de la muerte, la desesperación del hombre con su maldición, etc..).

Ya antes se había tratado el tema en: el cortometraje "The werewolf" (1913, Henry MacRae), y "El lobo humano" (Werewolf of London, 1935, Stuart Walker).

Ni que decir que la película de la universal fue un éxito, rompiendo todos los moldes.

Rápidamente le salio la competidora "She-wolf in London" (1946, Jean Yarbrough). Con June Lockhart como la feroz depredadora de la noche.

Los cómicos Abbott y Costello tuvieron un jocoso encuentro en la pantalla con el personaje, el mismo Lon Chaney Jr., en "Abbott & Costello meet Frankestein" (1948, Charles Barton)

Mención aparte merece "Yo fui un hombre lobo adolescente" (I was a teenage werewolf, 1957, Gene Fowler, Jr. con Michael Landon), comedia juvenil de cierto porte que la dignifica.

El mito decae una vez y otra, casi desapareciendo. Para en los 80, aparecer en una serie muy dignas de películas recuperándolo y dándole un nuevo aire:  "Aullidos" (The howling, 1980, Joe Dante), la adaptación del relato de Stephen King "Miedo Azul" (Silver Bullet, 1985, Daniel Attias), la sensacional comedia macabra "Un hombre lobo americano en Londres" (An american werewolf in London, 1981, John Landis) y, sobre todo, la extraordinariamente poética "En compañía de lobos" (Company of wolves, 1984, Neil Jordan).

Quedo en el 94 “Lobo” con Jack Nicholson, de Mike Nichols, una elegante película un tanto fría y que los dobles del actor cantaban demasiado.

En España tuvo su gran serie con Paul Naschy en el papel del atormentado Valdemar, contrapunto de Larry Talbot de Chaney Jr. Con la ya mítica “La noche de Walpurgis, 1970, Leon Klimosky”, además de : "La marca del hombre lobo" (1968, Enrique López Eguilluz), "La furia del hombre lobo" (1970, José Mª Zabalza), "Licántropo" (1996, Francisco Rodríguez Gordillo), “Regreso de la noche de walpurgis”, etc…Destacar una película de gran calidad “El bosque del lobo de Pedro Olea con un José Luís López Vázquez en estado de gracia, 1971” que se basaba en un hecho real de un buhonero que se convertía en lobo matando a sus acompañantes, Benito Freire, el alobado, mas en consonancia con las tradiciones gallegas.

LA MADRE DEL MAL (La Terza Madre) de Darío Argento.

LA MADRE DEL MAL (La Terza Madre) de Darío Argento.

2007. Terror. P: 6/10.

Director: Darío Argento.

Música: Claudio Simonetti.

Interpretes: Daria Nicolodi, Massimo Sarchielli, Clive Riche, Asia Argento, Valeria Cavalli, Udo Kier, Cristian Solimeno, Adam James, Moran Atias, Philippe Leroy, Coralina Cataldi-Tassoni, Robert Madison, Jun Ichikawa, Tommaso Banfi, Paolo Stella

Sinopsis: En unas excavaciones en una zona cercana al cementerio encuentran una ataúd que lleva encadenado una urna llena de símbolos mágicos. El sacerdote la envía a un museo donde es abierta por una compañera de Sarah Mandy, estudiante de Arte americana; mientras Sarah va a buscar documentación su compañera es atacada y destrozada por tres raros personajes y un mono la perseguirá.... conseguirá escapar con vida pero se verá obligada por el espíritu de su madre a investigar que hay detrás de esa urna y de uno ola de violencia que asola Roma.

Es el regreso de "Mater Lachrymarum" y esta hermosa pero terrible hechicera trae el caos al mundo, desatando una ola de asesinatos que arrasan la capital italiana. Mientras esto sucede, las brujas se reúnen en la ciudad para darle homenaje a su reina.

Comentarios: Hubo que esperar 31 años para que Darío Argento pudiera completar su trilogía de "Las tres madres".

Se nota el paso del tiempo en la forma y modo de hacer cine en general y de este especial realizador en particular; para lo malo ha perdido ese especial toque mágico, un cierta y singular poesía,  que hacía que cada escena fuese algo memorable, especial, impactante, magia que en Suspiria y Tenebre podías disfrutar, ver  y sentir, se ha vulgarizado pero, eso sí, sin perder su maestría como director y sus ideas de cómo rodar.

Película en clave "B" (también se nota la falta de un mayor presupuesto, vital en estos días) con escenas "gore", con ciertos toques cercanos al cine de zombis moderno (violencia en Roma), alguna tan brutal y rompedora para nuestros ojos como el lanzamiento del bebe al rio (si bien se ve el cambio de niño a muñeco) o la primera muerte que te pone de nervios (la más cercana por el uso del color a sus primeras entregas y su forma de hacer cine), o el ataque a las lesbianas en plena faena, a la que, literalmente, empala. No podía falta la muerte por fuego, la danza de la purificación, con Michael persiguiéndola y ardiendo.

La actriz esta soberbia y no por ser la hija del director, Asia Argento, es la casi protagonista absoluta; junto a ella multitud de actores en unos personajes grotescos y esperpénticos como esas internacionales brujas de lucidas maquillajes, ese sacerdote exorcista, ese alquimista...

Ambientes tenebrosos, muy góticos si bien aparece partes casi como una "road movie"; el librito de marras que vuelve a dar las pistas adecuadas, la mansión de principios del XIX que es horrorosa en su peculiar belleza arquitectónica; referencias ocultistas muy claras en dos direcciones como la alquimia y la magia blanca y negra por un lado y por otro las posesiones y exorcismos; las referenciada a la brujería medieval y al uso de la arquitectura como elemento fundamental en la misma.

Efectos especiales y maquillajes notables pero sin pasarse en su utilización. La banda sonora y musical muy acertada en todo momento, como decía el amigo Earthworm "Cojonuda".

Sabado clasico: Moby Dick de John Huston.

Moby Dick de John Huston.

1956. Aventuras, drama, clásico. P. 9/10.

(Novela de Henrman Melville). Guion: Ray Bradbury.

Musica: Philip Sainton.

Fotografia: Oswald Morris.

Interpretes: Gregory Peck, Richard Basehart, Leo Glenn, James Robertson Justice, Harry Andrews, Friedrich Ledebur, Bernard Miles, Edric Connor, Orson Welles.

Sinopsis: El Capitán Ahab del barco ballenero “Pequod “solo tiene en la cabeza acabar con la “La gran ballena blanca”. Con Moby Dick, la ballena que lo mutilo y lleno de odio y venganza. Como mando supremo del barco navega por los mares del mundo en busca de la presa y enfrentarse a ella para destruirla. Una gran batalla por la supervivencia en la que meterá a toda la tripulación y que, según un viejo loco del  muelle, solo uno sobrevivirá…

Comentarios: De una gran novela, épica y de aventuras, una gran película, mas épica aun, con más aventuras si cabe. Eterna lucha, eterna película, inolvidable film de aquellos de los sesenta y setenta de cuando el cine era grande, una gran aventura, un gran escaparate y aun había tipos como Huston y Peck y Welles.

Como todo su éxito empieza en un muy buen guion, firmado por el genio de la ciencia ficción Ray Bradbury, si, el de Crónicas Marcianas. Un guion solido, trabajado, con respeto a la novela original, sin quitar ningún detalle importante; con pequeñas modificaciones para hacer mas compresible la visión de una aventura trágica, como toda la vida de los marinos pero en especial esta profesión, los balleneros, que se jugaban la vida en cada pieza cobrada, jugando a ser dioses en captura de seres mucho más grande que ellos y armados simplemente de un pequeño ¿? arpón y una barquita de remos. Aventura no tan poética o idílica pues al final solo perseguían el aceite de la grasa del animal y el tesoro, cuando aparecía, del ámbar que lo haría millonarios.

A continuación un gran director que se dejo al piel en el rodaje, piel y dinero, por supuesto. Huston hace una de sus mejores obras, llena de un viejo idealismo, casi ácrata, pero emparentado con los héroes clásicos, seres oscuros capaces de arrastrar y mover voluntades hasta la muerte.

Y una gama de personajes/actores soberbios. Peck es Ahab, cien por cien Ahab, lo borda, lo vive, lo sufre como es muerte para siempre atado a su bestia blanca, tiene momentos memorables cuando se lanza en sus peroratas como si quisiera-sé convencerse a si mismo más que a los demás como en la que termina clavando el doblón de oro en el palo. Pero no solo él, los arponeros, que pena de no darles más tiempo en pantalla, son únicos empezando por esa joya de Queequeg, Tashtego, etc…no olvidemos a los mandos con ese segundo de a bordo, religioso, recto y duro, con dudas, el prototipo de persona normal enfrentada a un problema casi irresoluble y, encima, buena persona; el oficial alegré y bebedor, siempre sonriendo y gastando bromas o cantando; el tercero delgado y flaco como su intenciones, siempre derecho, siempre presto a obedecer y de lealtad al capitán por siempre. No debo olvidarme a Ismael, un genial Richard que jamás voló tan alto. Y al padre Mapple (un sensacional e irreconocible Orson)…en una iglesia como hay tantas por esos puertos dejados de las manos de Dios.

Una gran versión en manos de HUSTON, una fotografía increíble y difícil, los efectos especiales muy buenos para la época (la ballena se realizo en unos astilleros, se hicieron tres y las tres se perdieron en alta mar durante el rodaje), las escenas de la caza de las ballenas parecen, si no lo son, reales, casi son un documento de como se hacía en esa época, profesión que como tal ya ha desaparecido en nuestros días (la imagen de las mujeres del pueblo despidiendo al barco es de un patetismo increíble, puro neo realismo italiano), la cámara consigue darnos el efecto del barco y del acción (la tormenta está conseguida como pocas veces la hemos visto en la gran pantalla y esos hombre trepando bajo la acción del agua y el viento y las oscilaciones del barco ante las olas que rompen contra el casco de forma continua), la banda sonora en muy buena con canticos de los pescadores incluidos (a empezar con las de la taberna con la que arranca la película).

Un comienzo primoroso, con la voz en off de Ismael que terminara cerrando también la proyección….impresiona esa ballena blanca embistiendo al barco y como este, al final, se hunde en el inmenso mar…tristeza, desolación, muerte…solo la ballena blanca continua con su recorrido con el viejo Ahab sobre su lomo, una presa mas, una aventura que recordar.

 

En cartelera y aconsejable: Enemy de Denis Villeneuve.

Enemy de Denis Villeneuve.

2013. Intriga, thriller, drama. P: 8/10.

Director: Denis Villeneuve

Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans

Fotografía: Nicolas Bolduc

Interpretes: Jake Gyllenhaal, Mélanie Laurent, Sarah Gadon, Isabella Rossellini, Jane Moffat, Tim Post, Laurie Murdoch, Darryl Dinn

Sinopsis: Adam (Jake Gyllenhaal) es un afable y tranquilo profesor de historia que lleva una vida bastante monótona, muy rutinaria. Un día, viendo una película que le aconseja un colega, descubre a un actor que es idéntico a él. Obsesionado, la búsqueda de esa persona le traerá consecuencias inesperadas.

Críticas: Muy libre adaptación de la novela "El hombre duplicado", de José Saramago.

Una vuelta de tuerca al tema del doble, de forma intrigante y sorpresiva, cercana al thriller sicológico que el realizador Denis Villeneuve  ("Prisioneros") adapta de forma brillante con ese toque tan personal que imprime a sus películas, mezclando alguna escena onírica, surrealista (como ese final tan aterrador); la ciudad se transforma un una pieza más del rompecabezas inundando las escenas, presidiéndolas casi de forma amenazadora e inquietante como la tela de araña en las que se deshacen y hacen destinos y vidas, como si solo fuéramos presos agonizantes capturados en las mismas (Ciudad/tela, mujer/araña); el ritmo se hace sosegado, profundo, perturbador, inundando todas las escenas  de una patina de reflexión filosófica, de mirar hacia dentro, de dudas sin respuestas a las que aferrarse; un trabajo de actores genial destacando ese doble papel de Jake Gyllenhaal  que lo borda el doble papel de la rubiales de Sarah Gadon (genial y bellísima sobre todo en su rol de madre embarazadísima de 6 meses)  y penar por la poca entidad del papel de Isabella Rosellini, una escena escasa como madre de uno de ellos.

Ese ritmo lo marca de forma casi frustrante pues no se  encuentran los dos personajes en busca de su propia entidad hacia la mitad  de la película. Curioso que uno sea eso, un profesor de historia de universidad, el otro, el envés del espejo,  un atractivo actor con pocos éxitos, de tercera división porque no hay más bajo. Que el uno solo tenga esa relación más bien fría y distante y encogido ante la vida, el otro, en cambio, con un embarazo en camino y los celos en su vida conyuga. El uno usa el coche, el utilitario de todos, el otro una moto. El uno es ordenado, metódico, intelectual y el otro es desordenado, a la viva la Virgen...la música es otra constante casi en clave de película del género de terror, ritmos asfixiantes que se mete como un actor mas.

El otro punto importante es como un simple minucia, un recuerdo latente de la visión de una película y un personaje de la misma, se va metiendo en la realidad como un detonador amenazante, peligroso para la propia cordura, transformando la realidad cotidiana...rompiendo la aparente normalidad de nuestras vidas en medio del torbellino de los "urbanitas".

Lo mejor es ese comienzo decidido y costumbrista; lo remata una conclusión magistral en forma y fondo. Muy cerca al cine de realizador europeo. Más cerca de hacer preguntas que de dar respuestas.

Phantom de Todd Robinson.

Phantom de Todd Robinson.

2013. Thriller, bélica. P: 7/10.

Director: Todd Robinson

Música: Jeff Rona

Fotografía: Byron Werner

Interpretes: Ed Harris, David Duchovny, William Fichtner, Lance Henriksen, Johnathon Schaech, Jason Beghe, Sean Patrick Flanery, Jason Gray-Stanford, Julian Adams

Sinopsis: Mientras la tensión entre las grandes superpotencias crece, los Estados Unidos realizan maniobras submarinas en el Pacífico. De la tripulación forma parte el capitán Dmitri Zubov, un experto marino que vive atormentado por su pasado. La misión consiste en averiguar cuál es el objetivo del submarino soviético B756. Cuando el B756 deja de emitir un informe de posición, el comando Fleet da al buque por desaparecido. Mientras tanto, en las profundidades del Pacífico, el capitán Zubov y la tripulación del B-756 descubrirán un complot que podría destruir a la humanidad.

Comentarios: Un película que viene casi sin ruido pero que tiene tres grandes bazas: un reparto increíble que esta increíble, un desarrollo de la trama impecable y una anécdota histórica (sobre todo para los conspiranoicos) que se aprovecha de forma brillante e inteligente.

Tiene muchos puntos comunes y de calidad con la clásica "Das Boot, 1981".

Tensa, dura, claustrofóbica, densa, con una atmosfera que se puede cortar con un cuchillo y un final tan emotivo como bello. Reconozco que me conmovió y me hizo sacar el pañuelo...

No aburre y eso que el escenario es reducido, difícil, complicado pero el director y realizador lograr rodar de forma fácil y sin que se note dichas dificultades; alguna escenas son duras y brutales, filmadas con acierto y sin contemplaciones.

Los actores están todos soberbios, todos, sin dejar a ninguna en el tintero.

Inferno de Darío Argento.

Inferno de Darío Argento.

1980. Terror. P: 7/10.

Director y guionista: Darío Argento

Música: Keith Emerson

Fotografía: Romano Albani

Intérpretes: Leigh McCloskey, Irene Miracle, Eleonora Giorgi, Daria Nicolodi, Sacha Pitoeff, Alida Valli, Veronica Lazar, Feodor Chaliapin

Sinopsis: La joven poetisa Rose Elliot, vecina de New York, adquiere un antiguo diario escrito en latín "Las tres madres". En él libro, comprado a un viejo anticuario que vive y tiene su tienda cerca de donde reside, descubre la existencia de las Tres Madres del Mal y empieza a creer que en su apartamento habita una de ellas.

Llena de temor y miedo a la muerte, busca la ayuda de su hermano Mark que estudia música en Roma. Este recibe la carta pero la deja encima de la mesa de estudios donde la coge una compañera que, más tarde, muere asesinada...

Esa misma noche su hermana le pide que vaya a ayudarla.

Comentarios. Rojos, azules, escenarios, grandes cristaleras, la música siempre...la misma temática de "Suspiria" y segunda entrega de la llamada "Trilogía de Las Tres Madres"; hay muchas similitudes con la primera en la que marca una continuación en la escenografía y la estética con el uso extremo del color y la fotografía: azules intensos en una variada gama, rojos sangre que se mezclan y triunfan, naranjos y rosáceos; con ellos esos edificios laberinticos y misteriosos, llenos de giros y extraños quiebros, de misterios y lugares secretos;  esta, también, ese viejo libro como engarce de los sucesos que vemos y presentimos...al otro escenas muy sombrías casi expresionistas, con escenas de una violencia extrema, de esa que esta también realizada que duele el verla, la sufrimos en nuestras propias carnes. La tercera tuvo que esperar a esos 2007 para poder ver la luz.

Película llena de símbolos muy  esotéricos, viejos, muy insinuados solamente, de la vieja magia europea: las tres casa/las tres madres/la trinidad, las llaves/entrada al mundo que esta mas allá de esta realidad, el abrir puertas del conocimiento; la alquimia/cambios profundos, la sabiduría en contra de los principios del mundo y de las leyes. Un guion muy críptico, muy cerrado, que hace verla varias veces para ir descubriendo algo más. Las referencia a la Madre de las Lagrimas, la Madre de los Suspiros, la Madre de las Tinieblas...la primera llave el mal olor bajo la putrefacción y sus alrededores, la segunda en el sótano con la pintura de la madre, su rostro autentico, la tercera bajo tu pie...

Parece ser que Inferno es el film favorito del realizador; personalmente me quedo con "Rojo profundo" y después con "Suspiria", pero hay que reconocer que es una película potente, de imágenes que se graban en la retina, de ideas que sobrevuelan las sombras.

Y la música, Música con mayúsculas, inundando las escenas, golpeándonos en todo momento con bellos pasajes clásicos/opera y otros más aterradores,  de esos que tocan el corazón y lo hacen latir más rápido...el "tempo" de las escenas esta medido de forma milimétrica, alargándolas de forma inverosímil pero sin dejar decaer la tensión en la misma...la cámara se mueve con soltura, buscando la tensión, el cenit del encuadre, centrada de forma increíble cuando no se usa de forma subjetiva y valiente, el montaje es soberbio.

Los actores están notables en sus respectivos papeles y, encima, mueren muy bien, espectacularmente. Me gusto en especial ese viejo anticuario un Sacha Pitoff en el papel de Kazanian..

Espectaculares esas primeras escenas sobre todo con al chica buceando en el agua para recoger las llaves entre decenas de cadáveres. O la segunda con la compañera de estudios vagando por la vieja biblioteca filosófica llegando a ese laboratorio a la antigua...vienen las primeras muertes. A destacar la brutal y asquerosa del viejo anticuario, me dio repelús...o la bellísima de la vecina en medio de los gatos,  y el fuego siempre liberador,  una autentica danza ígnea que se lleva a la avariciosa criada...

Y un final muy digno con ese fuego purificador, antes, ahora y después, siempre será el fuego....

Después vendrán Tenebre, Phenomena, Los ojos del diablo, Trauma, El fantasma de la opera, Insomnio, El jugador, La madre del mal, Dracula.

Luna negra (Black Moon) de Louis Malle.

Luna negra (Black Moon) de Louis Malle.

1975. Fantástico. P: 8/10.

Interpretes: Cathryn Harrison, Joe Dallesandro, Therese Giehse y Alexandra Stewart.

Sinopsis: Lily llega a una finca donde sufrirá y se verá inmersa en una serie de eventos surrealista poco frecuentes. Como un grupo de niños desnudos que juegan con los cerdos, las pequeñas flores que se quejan cuando las pisas, etc.... En la finca esta un joven que hace el mantenimiento de la misma (Joe Dallesandro) también llamado Hermano Lily; el no habla pero de alguna manera se comunica a través del tacto. Su hermana (Alexandra Stewart) que también ayuda en la finca cuidando las ovejas también se llama Lily (que se acreditan al final de la película como Lily hermano y hermana Lily).

La otra persona de la finca es Therese Giehse, que interpreta a una vieja mujer postrada en cama ("la vieja") que se comunica/habla con una rata grande y también opera una radio control junto a su cama. Ella es exigente. Esto incluye que cuando tiene hambre busca leche y es amamantado por la "hermana Lily" y posteriormente por la misma "Lily".

Lily persigue un unicornio alrededor de la finca. Más tarde, ya en el final, aparece en la habitación de la anciana. Lily se prepara para amamantarlo y la película termina.

Comentarios: La película está dedicada a Therese Giehse quien murió poco después del final de la película.

Atípica obra de ese maestro que es Louis Malle que rebosa imaginación, simbolismo, saber hacer y mucha fantasía. La narrativa surrealista gira alrededor de "Lily" una adolescente confundida (Cathryn Harrison) quien es testigo de una guerra mundial entre los sexos; parece como un trasunto de "Alicia en el país de las maravillas" solo que en este caso por las apariencias parece que es madre o fue madre...

Animales mitológicos en ese "Unicornio" o flores que lloran, arboles que sangran al podarlos o golpearlos, no nos olvidemos de las gallinas carnívoras o las ovejas (símbolo de la mansedumbre) que ahorcan a su pastor y atacan a nuestra pobre protagonista, o el águila que entra en los aposentos...El unicornio es un símbolo esencial, recordar que representa la naturaleza en estado puro, la virginidad y pureza, la santidad; su cuerno lo hace siempre joven, cuerno mágico. Animal que solo se presenta, como dicen las viejas leyendas, a las doncellas de buen corazón. Recordar también que Lily es el nombre de la primera mujer.

Además es una película brutal. Lo podemos definir por el atropello del animal en la carretera, el fusilamiento de las mujeres en el arcén, el hombre ahorcado, insectos peligrosos, la decapitación del águila tal como pone en el grabado de la pared o esas gallina picoteando el cadáver de la soldado, incluso el enterramiento de la misma por el joven.

Diálogos escasos pero interesantes; música escasa que incluye solos de piano y un trozo de "Tristán e Isolda". Gran y brillante fotografía, de tono costumbrista.

No hay que darle mucha importancia a la búsqueda de verdades o realidades, hay que dejarse conmover por las imágenes y escenas e interpretaciones (sí, claro, esta la locura, los absurdos de la vida, el machismo, los daños que hacemos al medio ambiente, la inocencia que la sociedad nos hace perder en nuestra educación y desarrollo, las jerarquías de poder, la política, la guerra, etc...) solo así disfrutaremos de un espectáculo inolvidable, con escenas de un extraño y sensacional encanto, incluso alguna que nos conmoverán profundamente y otras que nos harán sonreír.

Muy cercanos a los films subversivos de nuestro gran Luis Buñuel (¿homenaje en el queso y las hormigas?)

Vivir es fácil con los ojos cerrados de David Trueba.

Vivir es fácil con los ojos cerrados de David Trueba.

2013. Comedia costumbrista, drama. P: 6/10.

Director y guionista: David Trueba

Música: Pat Metheny

Fotografía: Daniel Vilar

Interpretes: Javier Cámara, Natalia de Molina, Francesc Colomer, Ramón Fontserè, Jorge Sanz, Ariadna Gil

Sinopsis: Antonio (Javier Cámara) es un profesor que utiliza las canciones de The Beatles para enseñar inglés en la España de 1966. Cuando se entera de que su ídolo John Lennon está en Almería rodando una película, decide viajar hasta allí para conocerle. En su ruta recoge a Juanjo (Francesc Colomer), un chico de 16 años que se ha fugado de casa, y a Belén (Natalia de Molina), una joven de 21 que aparenta estar también escapando de algo. Premios

Comentarios:  Destaca sobre todo el trabajo de Javier Cámara, esplendido, genial, extraordinario, haciendo de...¡Javier Cámara!, en una especie de capitulo alargado y especial de "Cuéntame que paso" y, eso sí, con mucha sonrisa  y mucho, demasiado, "buenísmo". Los dos chocos pues raspaditos, muy endebles, muy pobres de registros y ganas; es el inconveniente de meterse en una película de Cámara, el siempre será el protagonista.

Buen rollito, todo edulcorado salvo un par de pinceladas. Película muy abierta a los cielos y luz de la España del Sur, esos desiertos de Almería, esas playas de Andalucía, siempre el sol luciendo...y muy buen agente, hasta los abusadores que reciben lo suyo, al final, claro, peor o reciben. Es esa pareja de datos o contrastes la que flojea, la España de pandereta o negra si hasta aparece el amigo Fraga o ese recepcionista que de habla tan cerrado ni se le entiende, la joven embarazadísima, el chico pelanas con padre duro y distante y preocupado, los crios pidiendo dinero pá comé (el balon de futbol para nada), etc....al lado, el Catalán con su hijo Bruno (¡Qué gran personaje!) o la madre del muchacho (¡siempre las pobres madres en medio de todos los fregados y disputas, sacando las castañas del fuego a la familia!

Un poco de "road movie", otras pinceladitas de "verite" (el suceso paso de verdad, un maestro fue en busca de John Lennon en un rodaje de Almeria) y el complemento de la Almería-western; en el fondo una sociedad en pleno cambio, con el contraste y "guiño" de Los Beatles y la revolución de la música en el mundo con este grupo de melenudos.

"El quinto beatle", estaba en España.

Suspiria de Darío Argento.

Suspiria de Darío Argento.

1976. Terror. P: 8/10.

Director: Darío Argento

Música: Goblin, Dario Argento

Fotografía: Luciano Tovoli

Intérpretes: Jessica Harper, Stefania Casini, Flavio Bucci, Udo Kier, Miguel Bosé, Rudolf Schündler, Joan Bennett, Alida Valli

Sinopsis: Una joven (Jessica Harper) ingresa en una exclusiva academia de baile la misma noche en que asesinan a una de las alumnas. La subdirectora del centro es la amable Madame Blank, que brinda a la nueva alumna las comodidades y facilidades necesarias para su aprendizaje. Pero, poco a poco, una atmósfera malsana se va apoderando del lugar, y la estancia de la joven se va convirtiendo en una verdadera pesadilla.

Comentarios: Un director que me ha gustado tanto como me ha defraudo en sus mismos términos con algunos otros trabajos; me encanto cuando empecé a verle su primera trilogía con las excepcionales: El pájaro de las plumas de cristal, El gato de las nueve colas, y 4 moscas sobre terciopelo gris. El boom internacional y de espectadores y seguidores acérrimos empezó con "Rojo oscuro" (de la que ya hicimos su crítica, muy personal, como siempre y que podéis leer un poco mas abajo) y esta película de la que hablamos en este momento, que ya forma parte de ese selecto grupo de las denominadas de "culto" (y que forma una extraña trilogía con  "Inferno" y "La Madre del Mal o de las Lagrimas", aunque son un poco inferiores a esta, solo un poquito ¡eh!); resulta ser una película sorprendente, bizarra e interesante.

Dos bazas importantes en la misma, a destacar la puesta en escena (ese ambiente  enfermizo, los colores brillantes y dolorosos como esos rojos, azules, naranjas, etc...los movimiento de cámara que ya de por si dan miedo, esos personajes extraños y extravagantes como ese pianista ciego, el mayordomo deforme y feo y presumiendo de dentadura postiza, la limpiadora gruesa y sospechosa y el niño que la acompaña siempre que da yu-yu, etc...; esos escenarios llenos de misterio, pasillos alargados con puertas cerradas, entradas ocultas, frases  con más de un sentido, magia, miedo, mundos desconocidos) y, con ello,  la música aterradora, una banda sonora demencial y atosigante, de las que te pone de los nervios...

Visualmente potente, marca propia y personal del realizador; tramposa también como casi todas las suyas, llena de pequeños equívocos perdonables y que le dan ese toque tan especial. La fotografía es notable, inolvidable con esos tonos azul y rojo compitiendo. Un final espectacular, lleno de buenos detalles aun cuando algunos sean muy repetitivos y ya vistos.

La mejor muerte es la primera, perfectamente realizada, una planificación notable, el "tempo" justo, la sorpresa siempre, el rojo inundando el espacio, un rojo increíble; un corazón en su ultimo latido...la cristalera que se hace mil pedazos, mil colores que llueven, el cuerpo que cae con la soga...

Los actores están bien. Por cierto, aparece un Miguel Bose jovencísimo, descubrirlo, resulta curioso.

¡ojo!: Se puede interpretar como el viejo cuento de la joven Virgen que va a parar a la casa de la bruja Mala que la quiere matar pues toda inocencia le molesta, va en contra de sus maldades...

De estreno: El tour de los Muppets de James Bobin.

El tour de los Muppets de James Bobin.

2014. Marionetas, musical, comedia, secuela. P: 6/10.

Director: James Bobin

Música: Christophe Beck

Fotografía: Don Burgess

Interpretes: The Muppets, Ricky Gervais, Ty Burrell, Tina Fey, Tom Hiddleston, Christoph Waltz, Ray Liotta, Salma Hayek, Frank Langella, Jemaine Clement, Til Schweiger, Peter Serafinowicz, Danny Trejo, Debby Ryan, Chloë Grace Moretz

Sinopsis: La pandilla de los Muppets se va de gira por todo el mundo, llenando las mejores salas de las capitales europeas como Berlín, Madrid, Dublin o Londres. Pero no se libran del caos ni siquiera en el extranjero, pues se ven involuntariamente atrapados en una intriga internacional que encabezan Constantine, el mayor delincuente del mundo escapado del Gulag de alta seguridad y la viva imagen de la Rana René, y Dominic, su vil compinche.

Comentarios: Divertida y amena, estos personajes son entrañables, se les quiere y, cómo no, te lo pasas pipa con sus aventuras y ocurrencias. Con alguno mas que con otros, cosas de la querencia.

Buenas canciones (alguna en especial es brillante), algunas escenas realmente notables y algunos gags muy buenos, buenos y blandos chistes, sátira picante y mordaz pero bienintencionada y alegría, mucha alegría, canto al compañerismo, a la unión que hace la fuerza y todo, además, como muy fresco (a pesar de ser ya la séptima película de estos simpáticos y dicharacheros personajillos). Parece mentira que pasando el tiempo estos sigan siendo los de siempre. Un Oscar especial a "Animal", a "Gonzo" y al beso entre la rana y la cerdita.

Buenos cameos, una segunda lecturas refrescante y curiosa, como buscar a ....

LOS OJOS DE JULIA (2) de Guillem Morales.

LOS OJOS DE JULIA  de Guillem Morales.

2010. Thriller, terror. P: 6/10.

Director: Guillem Morales.

Musica: Fernando Velazquez.

Fotografia: Oscar Faura.

Interpretes: Belen Rueda, Lluis Homar, Julia Gutierrez Caba, Pablo Derqui, Francesc Orella, Daniel Grao.

Sinopsis: Julia regresa con su marido a Bellevue (Bellavista) para estar con su hermana casi ciega a causa de una enfermedad degenerativa a la que ni las operaciones a las que se sometió consiguieron darles algo más de vista. Al llegar les comunican que se ha suicidado.

Julia se queda muy afectada pues no solo es el suicidio de su hermana sino también la perdida de su propia esperanza pues también ella sufre la misma enfermedad que parece le conducirá a la ceguera total…

Comentarios: Da gusto producciones como esta en este mundillo cinematográfico español; gusta porque bebe de forma directa del cine universal, el de todo el mundo, el que nos viene con esa cultura histórica, con ese poso reposado del buen cine. Tiene de todo, toques de “giallo” italiano con su sabor de aceite de oliva y brisas mediterráneas; referencias claras al tío Alfred Hitchcock y toda su teoría de la aventura y del entretenimiento, a su atmosfera, a su confección casi artesanal; recuerdos a Powell y al cine negro americano…

Es casi una lección de cine bien aprendida pero le falta algo más de substancia, algo más de sazón, algunas chuletas más para copiar y levantar el examen hacia el sobresaliente. Hay audacia en el director (El habitante incierto del 2005) pero peca de ingenuo, se enreda el mismo en sus propias trampas y engaños y va decayendo poco a poco y, cuando tiene que darnos respuestas, se hunde en picado, no nos convence. Las  preguntas de siempre, ya Gaugain las plasmo de forma magistral, que no son nada del otro mundo, no tienen respuestas y eso siempre es malo.

Prometía mucho más de lo que da, una pena, pero es de agradecer el intento. Empieza muy bien, sigue de forma más que aceptable-la iluminación y fotografía es sensacional en todo momento- pierde potencia e interés a partir de la mitad.

Atención a la música, es otra versión de la película, casi independiente en muchas ocasiones y casi se podría vislumbrar otra cosa solo oyéndola. La música refleja nuestros miedos, la falta de visión, las dudas y temores. La música, siempre la música…

El malo pues queda como el peor retratado, un pastiche de otro que está en nuestras mentes, dualidad de personalidad, juegos y sombras…aquí no hay nada de eso, plano, un asesino sin más, no hay ni dolor ¡qué pena de Robert Bloch!

Los actores están soberbios en todo momento, con registros inauditos, con el gesto justo y bastante más que comedidos y es que en España tenemos de los mejores actores del mundo y se nota en estas últimas producciones. Si, tenemos grandes actores, grandes técnicos de fotografía, grandes músicos, grandes especialistas,  mejores técnicos de iluminación o vestuario o tramoyistas, pero….hay algo que falla, que no llega a encajar y girar de forma adecuada para conseguir esa excelencia que deberíamos poder conseguir.

LOS OJOS DE JULIA de Guillem Morales.

LOS OJOS DE JULIA de  Guillem Morales.

2010. Terror, thriller. P: 7/10.

Director: Guillem Morales.

Música: Fernando Velázquez.

Fotografía: Oscar Faura.

Intérpretes: Belén Rueda, Lluís Homar, Julia Gutiérrez Caba, Pablo Derqui, Francesc Orella, Daniel Grao, Héctor Claramunt, Joan Dalmau.

Sinopsis: Julia (Belen Rueda) regresa a Bellvue con su marido para ver a su hermana gemela Sara, que está casi ciega debido a una enfermedad degenerativa que ella también tiene, tras sufrir algo como un mal presentimiento.

Al llegar, su marido la encuentra ahorcada en el sótano de la casa. Un suicidio puro y duro tal como dice la policía. Pero ella empieza a sospechar otras cosas, la música que suena y que su hermana odiaba, el nuevo novio, una operación fallida que le esconden…tratara de seguir los últimos pasos de su hermana en busca de la verdad y va como captando una amenaza que tan solo ella puede percibir o notar.

Comentarios: ¡Magnifica película!

El director es el director de “El habitante incierto”, cuya crítica podéis ver o leer pulsando en el mismo título.

Con ecos de Trauffaut, de Hitchcock, de Powell, de los “giallo” italianos (Mario Bava, Dario Argento, etc…) al dente….un thriller angustioso, denso, de atmosfera dura y oscura de esas que se cortan a cuchillo.

Relatada como en dos fases; por uno en clave de thriller que es la investigación casi policiaca que hace Julia sobre su hermana y su movimientos que la llevan a visitar a su vecina, a ir a un hotel donde supuestamente su hermana se alojo con un novio, a un restaurante, etc.…el otro es de índole dramática en la enfermedad que afronta la protagonista. Estas dos fases se reflejan en los dos personajes, la Julia eficaz y determinada a descubrir la verdad y la del “monstruo” que ha ido dejando un rastro de sangre y muertes; como reflejo de estos dos personajes esta un música impresionante y una fotografía efectista y que da ese toque siniestro y gótico en todo momento.

Podría haber sido mucho más pero, al aparecer, demasiado pronto en mi modesta opinión, el enigmático y fantasmagórico personaje la película pierde enteros, se hace mas cotidiana y normal, desparece la magia y la fantasía con la que evocábamos la presencia de esta amenaza; con el empiezan esos giros que son pocos convincentes para levantarse sobre las cenizas en los minutos finales llenos de frenesí, de lucha, de rabia, de pelea por la súper vivencia,  entre el flash discontinuo de la cámara que dispara una y otra vez, una y otra vez….

Es de albar como el director consigue que nos involucremos en la trama y como siempre nos va sorprendiendo desde la primera escena (Sara se sube al banco, se pone la cuerda por el cuello y no se atreve…de pronto sale una pierna y le da una patada al soporte dejándola colgando y muriendo…), como nos va dejando ir en una estela tras la mirada de Julia. Por cierto, como nos escamotea determinados rostros desde el comienzo, como si fueran solo sombras o una duda o una cuestión a debatir.

Belén esta genial en su papel, le da una impronta de fuerza y determinación, no solo es una luchadora sino que es una vencedora, la mitad de la película…sublime en esas escenas finales luchando por sobrevivir, por tratar de engañar antes al falsario y magistral en el epilogo final ante el cadáver de su marido….

Para Elisa de Juanra Fernández.

Para Elisa de Juanra Fernández.

2013. Terror, thriller. P: 5/10.

Director y guionista: Juanra Fernández

Música: Pascual Vázquez

Fotografía: David Valldepérez

Intérpretes: Ana Turpin, Ona Casamiquela, Luisa Gavasa, Jesús Caba, Sheila Ponce, Enrique Villén, Pep Antón Muñoz, Pablo Viña

Sinopsis: Una tarde cualquiera se puede convertir para una joven estudiante Ana, que quiere el puesto de canguro de una inocente niña Elisa, en su última tarde. Al traspasar el umbral del tercero izquierda, hay una puerta que conduce directamente a la boca del mal.

Comentarios: Buen intento de realizar una película de terror español, pero se queda en eso, un intento. De entrada que es como un cortometraje excesivamente alargado, se pasa de línea y derrapa.

Con esa duración podríamos pensar en algo que va directo a la yugular pero no, de forma sorprendente tarda demasiado en empezar; y todo porque los padres lo cortan el grifo para el viaje de fin de curso...no consigue en ningún momento ese clima de suspense y terror adecuado, es la atmosfera que no preside ni la acción ni los bellos escenarios de Cuenca.

La historia es original, con comillas. El guion está plagado de fallos, lo mismo que el montaje que resulta un tanto penosillo; los actores sobreactúan de forma artificial, poco creíbles...

El final sorpresa  pues nada del otro mundo...decepciona totalmente con ese corte tan abrupto dejándonos "in albis", posiblemente se les acabo o el dinero o las ideas que ya de por si eran pocas...

Eso si el realizador promete, la angustia está conseguida en muchas escenas (homenaje incluido a "Misery" si es que lo hicieron así, a propósito, no sé qué diría el director a este respecto pero, aquí, nos escamotean los golpes), te deja un mal cuerpo pero poco mas, olvidable.

¿El cinco? Pues esta la bella ciudad de Cuenca, esta la fachada de la catedral y sus calles viejas, es un director primerizo, hay un esfuerzo evidente  del elenco, es española....cinco punto.

Sabado clasico: EL CHICO de Charles Chaplin, “Charlot”.

EL CHICO de Charles Chaplin, “Charlot”.

1921. Cine clásico, humor, drama. P: 9/10.

Guion y dirección; Charles Chaplin.

Intérpretes: Charles Chaplin, Jackie Coogan, Edna Purviance, Carl Miller, Tom Wilson, Henry Bergman, Lita Grey.

Sinopsis: Una mujer en apuros abandona a su bebe en el coche de unos ricachones pero este es robado y dejado el niño en la calle; allí lo encuentra un pobre vagabundo que termina por cuidarlo y hacer así de padre. Cinco años más tarde, la madre ya convertida en una cantante famosa añora a su hijo. El niño, como un pilluelo más,  acompaña en sus correrías a su supuesto padre.

Comentario: Un clásico de Chaplin con un Charlot ya desarrollado y pleno.  Después de un montón de cortos Chaplin se lanza al primer  largo con todas las consecuencias y hace su primer gran film. El humor impregna esa historia de un padre y su hijo adoptivo que tienen que sobrevivir a base de estafar a los demás y escapar de la sempiterna policía.

Maravillosa sobre todo esa relación entre los dos principales personajes que se muestra en planos sesgados pasando del humor a raudales al drama. El pequeño Coogan esta maravilloso. Es un anticipo de lo que serán “La quimera del oro”, “Luces en la ciudad” y “Tiempos modernos”.

Y al tiempo es una crítica social feroz, un canto a los pobres, ellos tienen los sentimientos, el estado, representado por la asistencia social, no. Hay escenas para quitar el hipo, el encuentro de Chaplin con el bebe y sus primeros intentos de deshacerse del, la aventura de los cristales rotos y el pasando por allí como si na, la pelea en el barrio, y, sobre todo, cuando se quieren llevar al chico la asistencia social en una escena tremendamente dramática y dura… Y todo ello en una película dinámica, ágil, alegre y triste, entretenida y humilde, ¡si!, está impregnada de sencillez, de buen hacer, de amor.

Es una película que te hace ser mejor, desear más y mejor para los demás. Que te vuelve a la niñez, te desarma en el tiempo y los buenos sentimientos afloran, que hacen creer que esta humanidad tiene algo importante para salvarse y se salvara. Y, para terminar,  recomendar que si no la habéis visto, la veáis, merece la pena.